La mostra Impronta Materica, inaugurata il 23 novembre al Museo Bellini di Firenze e conclusasi il 1° dicembre, rappresenta un’esplorazione profonda delle connessioni tra materia, emozione e spirito. Curata da Michela Barausse sotto la direzione artistica di Miguel Gomez, l’esposizione celebra la forza espressiva della materia attraverso una pluralità di linguaggi artistici che spaziano dalla pittura alla scultura, fino a installazioni e opere inedite.
Con la partecipazione di artisti provenienti da diverse culture e generazioni, l’esposizione si presenta come un caleidoscopio di visioni e tecniche, che invita il pubblico a riflettere sul potere trasformativo dell’arte.
Tra gli oltre 20 artisti in mostra, un’attenzione particolare va agli artisti selezionati dalla Fondazione Mundi Live, diretta da Chiara Immordino. La selezione di Chiara Immordino per Mundi Live mette in evidenza la profondità culturale e la diversità delle voci artistiche. Attraverso il loro lavoro, questi artisti propongono una riflessione sull’identità, la connessione emotiva e la tensione tra tradizione e innovazione.
La mostra si configura come un viaggio sensoriale, in cui le opere si intrecciano per creare una narrazione corale che esplora la memoria materica e la sua capacità di evocare emozioni e raccontare storie.
Tra gli artisti presenti spicca il lavoro di Simona Bonini, architetto e artista riminese. La sua pratica pittorica affonda le radici in una sperimentazione materica che la distingue per l’uso di elementi come stoffe, legni, sabbia, juta, colla e stucco. Questi materiali non solo danno corpo alle sue opere, ma diventano essi stessi linguaggio espressivo. L’approccio di Bonini, che si sviluppa attraverso l’applicazione e la rimozione successiva di strati, riflette una ricerca continua sul significato nascosto della materia. Ogni superficie, lavata o stessa in molteplici spessori, è una testimonianza della trasformazione e del potenziale nascosto delle forme. Per Bonini, la materia è un mezzo per svelare nuovi significati, un dialogo incessante tra l’artista, il materiale e l’osservatore.
L’opera Alnitak di Angelo Tasini, parte della costellazione Rustar, è invece un lavoro simbolico molto suggestivo. Alnitak richiama una delle stelle della cintura di Orione, evocando una divinità cosmica proveniente da dimensioni lontane. Il copricapo della figura, segnato da ossidazioni e incrostazioni rugginose, sembra essere un reperto che custodisce segreti millenari. I colori vibranti e le texture materiche trasportano l’osservatore su percorsi immaginari verso antichi mondi e tradizioni perdute. L’opera invita a una riflessione sul rapporto tra memoria e immaginazione, un viaggio tra malinconia e scoperta di mondi altri.
Questo dialogo tra identità e memoria si trova anche nei lavori di Anna Diop e Ringo of Dakar, che offrono due percorsi ben distinti ma complementari, che interrogano il rapporto fra materia e identità. Le opere di Diop esplorano il confine tra visibile e invisibile, utilizzando la materia come veicolo per un pensiero che si manifesta attraverso archetipi universali. Al contempo, Ringo of Dakar indaga le stratificazioni culturali e identitarie, attingendo alle sue radici senegalesi per creare un linguaggio artistico che intreccia memorie personali e collettive e portando alla luce una visione unica di contaminazione artistica. Entrambi gli artisti contribuiscono a creare una narrazione diversificata, arricchendo il percorso espositivo con prospettive profonde e intimamente legate alla materia, capaci di coinvolgere emotivamente lo spettatore.
Questo legame fra passato e presente, questa sorta di dialogo tra identità e memoria, emerge con forza e si ritrova anche nei lavori di Leonardo Voltea, la cui scultura immagina una fase evolutiva futuristica della natura. L’opera di Voltea, una conchiglia che integra tecnologia e struttura organica, diventa metafora di un nuovo equilibrio tra uomo e ambiente, offrendo un’interpretazione poetica del rapporto tra progresso tecnologico e sostenibilità.
Il tema della spiritualità pervade piuttosto deliberatamente le creazioni di Edimar Macedo Costa, che con la sua opera rappresenta l’ingresso alla porta di Shambala. Frutto di anni di meditazione e pratica sciamanica, il lavoro di Edimar unisce geometria sacra e simbolismo universale, evocando un viaggio interiore verso la consapevolezza e l’amore incondizionato. Questo richiamo alla dimensione spirituale si riflette anche nell’approccio cromatico di Oriana Papays, che considera il colore come strumento narrativo, oltre che magico. Nei suoi dipinti, ogni sfumatura diventa un racconto, invitando l’osservatore a lasciarsi trasportare in favole visive piene di meraviglia.
Tra i protagonisti della mostra, Gabriel Lass porta invece in scena un’arte profondamente connessa alla materia e alle emozioni umane. Originario di Murcia, Lass ha iniziato la sua carriera come designer architettonico, distinguendosi per le sue piscine di lusso e i suoi progetti di interior ed exterior design, spesso arricchiti da opere d’arte che riflettevano una parte della sua sensibilità creativa. La sua transizione verso le arti visive si è trasformata in un viaggio emotivo, dove la pittura diventa uno strumento di introspezione e terapia. Simbiosis, con il suo equilibrio tra texture naturali e impulso creativo, è un esempio emblematico della sua capacità di evocare la parte più primitiva e istintiva dell’essere umano, trasportando lo spettatore in un universo di forme e materiali che richiamano l’ancestrale legame con la natura.
L’arte come emozione e riflessione caratterizza invece i lavori di Saverio Barone, che con il suo “Emozionismo Riflessivo” combina spontaneità e profondità analitica. Attraverso la tecnica a china, l’artista crea composizioni in cui il vuoto e la luce dialogano, invitando il pubblico a un’introspezione emotiva e concettuale. Questo equilibrio tra caos e ordine universale si collega idealmente alle opere di Rosalba Ronzulli, dove il colore diventa un ponte verso la scoperta personale. Il suo quadro Untitled, ricco di sfumature blu, viola e arancioni, guida l’osservatore in un viaggio tra introspezione e simbolismo, attraverso l’uso di una tavolozza vibrante e forme dinamiche. Predominano tonalità di arancione e giallo, affiancate da accenti blu, rosso e verde, che suggeriscono un movimento energetico e un dialogo continuo tra emozione e ragione. L’artista utilizza il numero 3 come simbolo della perfezione, un richiamo personale che, raddoppiandosi nel 6, consolida il legame tra anima, mente e corpo. L’8, simbolo dell’infinito, diventa lo specchio di un riflesso interiore e un invito a una ricerca di significati universali.
L’opera di dispiega come una corteccia d’albero aperta, rivelando strati di emozioni e reminiscenze, che coinvolgono l’osservatore in una narrazione visiva profonda e inaspettata. Le piccole presenze disseminate sulla superficie pittorica agiscono come enigmatici narratori, animando la composizione con una vitalità sottile ma pulsante. Ronzulli invita il pubblico a soffermarsi, a osservare i dettagli, e a creare un dialogo con il proprio immaginario, spinto dalla potenza evocativa del colore e della profondità delle ombre.
Tra le opere esposte, Onde Narranti di Anna Seccia si distingue per la sua capacità di coniugare emozione, gesto e materia in un flusso dinamico e poetico. Visual Artist e performer, Seccia ha una lunga storia di progetti di arte sociale che coinvolgono comunità e collettività in esperienze artistiche corali. La sua opera in mostra, una tecnica mista su tavola di 60 x 120 cm, si sviluppa attraverso movimenti onlulatori e materiali che catturano la luce e il colore, evocando la danza delle onde.
«Le emozioni profonde guidano la mia mano senza interconnessioni con la parte razionale dell’intelletto. Il gesto libero e spontaneo si interconnette al cuore e cerca intimità nel mare blu con la danza luccicante delle onde. Lo spettatore viene catturato dal movimento ondulatorio e dinamico della materia per essere trasportato negli abissi del suo mare interiore, creare la sua danza unica, e unirsi alle profondità dell’universo. Io sono solo un mezzo».
Questa risposta evidenzia l’approccio meditativo dell’artista, che invita il pubblico a una connessione profonda e personale con la sua opera. Attraverso il colore, la luce e il gesto, Onde Narranti diventa un viaggio emozionale che trascende il mero impatto visivo.
La dimensione meditativa si trova anche nell’opera donata da Anja Kunze, che propone un messaggio di armonia universale ispirato al libro Permasofia. La frase “il silenzio porta pace, la pace genera unione, l’unione crea armonia” accompagna il suo lavoro, invitando il pubblico a riflettere sulla coesione spirituale come chiave per il benessere interiore.
Con un allestimento che spazia tra tradizione e innovazione, materia e spirito, Impronta Materica offre uno spazio in cui l’arte si fa veicolo di storie, emozioni e trasformazioni. Ogni opera diventa un tassello di un mosaico più grande, che intreccia le diversità degli artisti per creare un racconto collettivo e universale.
Cristina Maiorano
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